Pinta London 2014 (Parte 3/3)


Llegados a esta fase final de la experiencia, cerraré la aventura con la exposición de los contenidos artísticos que han marcado huella en Metaphoranea, en la cual no puedo dejar de nombrar, alabar y profundizar en dos de mis amores predilectos del arte contemporáneo español: José Luis Serzo y Santiago Talavera; dos artistas que forman parte de una generación prometedora del círculo artístico español, con la ciudad madrileña como epicentro.

La presencia de José Luis Serzo llega a la feria de la mano de Blanca Soto Arte -galería madrileña con la que me siento afín estéticamente y a la que hay que dar la enhorabuena por el conjunto artístico expuesto en Pinta London 2014, por su gusto, equilibrio, variedad, carga conceptual y compromiso social de las obras seleccionadas-.

En particular, de Serzo nos presenta parte de las series narrativas “The Welcome” y “El Sueño del Rey de la República”, representados en diferentes modalidades de dibujo: carboncillo, grafito, óleo o tinta sobre papel. En ellas, José Luis recurre a los mundos oníricos, la fantasía y la metáfora para comunicarnos desde su propia conciencia una realidad muy contemporánea y reveladora. Y es que Serzo, además de ser un gran artista plástico, es todo un filósofo y poeta visionario, haciéndose valer del recurso literario como complemento de su obra plástica:

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“El sueño del Rey de la República”, obra de José Luis Serzo a carboncillo sobre papel

Nuestro rey sueña con ser dueño de su vida y su destino; sueña con liberarse de unas pesadas cadenas de oro, que aunque puedan aparentar una inmensa belleza, le privan de la suya interior (Fragmento de la “Introducción” explicativa de “El Sueño del Rey de la República”, por José Luis Serzo)

 

A destacar también de la propuesta expositiva de Blanca Soto la obra del colectivo PSJM, la cual toma como temática la situación política de España y Europa, representando, a través de la geometría y la cromática, estadísticas reales sobre aquéllas:

Elecciones
El colectivo PSJM nos muestra una interesante comparación entre los resultados electorales de 2011 y el resultado real de participación en el Parlamento Europeo. A la izquierda, “Elecciones generales en España 2011 (partidos, abstención, voto nulo y en blanco)” y a la derecha, “Elecciones generales en España 2011 (partidos en el parlamento)”

 

Al otro lado del pasillo nos encontramos con La New Gallery, unas de las galerías más jóvenes, chic, modernas y activas de Madrid, apostando por el gran Santiago Talavera.

La obra con las que nos brindan “La New” y Santiago descansa sobre el nombre de “Clausura”. El espectacular trabajo de Santiago, tanto por su contenido pictórico como por las dimensiones del lienzo, da pie a interpretaciones para rato. Con una carga simbólica desbordante, me atrevo a decir que esta obra sugiere un cambio de etapa artística y personal para Santiago, con la que pide a gritos una clausura que, a la vez, es ruptura y apertura.  En ella nos muestra “sus entrañas” y las de la sociedad, “contaminadas” por una realidad destructiva que “estalla” en esta obra –a mi parecer- reivindicativa. Una obra muy personal y muy colectiva al mismo tiempo, elemento indispensable para la universalidad y para la faceta contemporánea del arte.

 

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“Clausura”, de Santiago Talavera.

 

A destacar dos de los proyectos  de la sección Pinta Projects. Uno colectivo, GAUR [sic], patrocinado por la Embajada de España en El Reino Unido, la  Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y el Instituto Vasco Etxepare, y otro, centrado en el trabajo de la artista brasileña Anna Bella Geiger.

GAUR [sic], proyecto comisariado por Nekane Aramburu, recopila y analiza el trabajo audiovisual de 8 artistas contemporáneos vascos que la comisaria rebautiza con la palabra “GAUR” (cuyo significado es “hoy” en vasco), haciendo tributo al colectivo compuesto también por 8 artistas de la Escuela Vasca del 66. El proyecto adopta un tono crítico de la contemporaneidad, reflejando la fuerza del mensaje transmitido a través de la mirada de la mujer, la intensidad de los proyectos colectivos y la importancia de la interdisciplinariedad.

En especial, me introduzco en una de las piezas audiovisuales que proyectan bajo el nombre de “Pilota Girls”, en el que el colectivo Sra. Polaroiska desarrolla un pasaje en formato de película y vídeo clip en el que una chica recorre ciertas calles de Bilbao jugando a la pelota vasca, utilizando los edificios como frontón con una naturalidad y técnica envidiables. Una pieza directa, dinámica y musical que muestra un fragmento de la sociedad y la cultura vasca, planteando –en mi opinión- la ruptura de los moldes establecidos a través de la actividad, la rebeldía y la energía jovial.

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“Pilota Girls”, un vídeo de Alaitz Arenzana y María Ibarretxe

 

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Mapa topográfico, material de los vídeos “Mapas Elementares”, de Anna Bella Geiger.

La Galería Aural de Alicante nos trae a Londres un trozo de Brasil y del alma de Anna Bella Geiger. Entre los materiales, fotografías, vídeos y dibujos que ponen de manifiesto la gran tarea de Anna como artista, de su compromiso social y de su cualidad poética. Metafóricamente, Anna Bella Geiger marca a Sudamérica en sus mapas, resaltando el carácter antropomórfico de la topografía del Cono Sur, para relacionarlo en los vídeos con estereotipos, mitos atribuidos a culturas de América Latina y un juego semántico. Así, este territorio es a la vez amuleto místico; mulata, por mezcla racial, y muleta, por su desamparo y dependencia económica.

 

 

 

Agradecimientos a la galería Álvaro Alcázar por su amabilidad e introducción informativa a la obra de los artistas Juan Garaizabal y Guillem Nadal, así como por el acercamiento a un artista clave del panorama español figurativo y del pop art como es Eduardo Arroyo. Una apuesta muy completa y de calidad que abarcaba diferentes modalidades artísticas como la escultura, la pintura con volumen o el dibujo.

De isla a isla, Metaphoranea “echa el ancla” sobre la exquisita obra de Guillem Nadal:

 

Guillem Nadal
Una de las obras que componen ‘Projecte per una illa. Papers’, de Guillem Nadal, recreación de un paisaje interior mediante pequeñas murallas de papel que vienen a ser para el artista una especie de “mandalas”.

“Una isla de vivencias, por necesidad siempre inacabada, porque termina con el fin de la propia existencia” (Guillem Nadal)

 

Durante la última etapa de mi aventura, me encuentro con obras de calidad que reconozco del panorama nacional afines a mi gusto estético, como la obra de Emilio Gañán, representada por la galería Fernando Pradilla de Madrid, o la de Juan Suárez, de la mano de la galería Rafael Ortiz de Sevilla, y descubro nuevos pilares internacionales, como la obra del venezolano Carlos Cruz-Diez y la del colectivo Mondongo en el stand de la galería Madoox Art de Londres, o la colorida y multifacética obra del artista emergente portugués Rodrigo Oliveira, promocionado por la galería Filomena Soares de Lisboa.

 

Una gran sorpresa desde la profunda y cruda realidad colombiana. Steve Turner Contemporary nos trae desde Los Ángeles, California, la obra de Camilo Restrepo, la cual representa, a través de un estilo infantil, iconos populares y con herencia del cómic, la actividad narcotráfica y violenta que sacude a su país de origen, acercándose al sarcasmo y al “humor negro”. Obra popular, intensa y contemporánea que posiciono entre mis favoritas y que, según información de primera mano, intuiciones y expectativas propias, podría ir a parar a las paredes de un museo.

 

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“A Land Reform”, por Camilo Restrepo.

 

Variedad para todos los públicos. Obras personales, sociales, bellas, útiles, espirituales y decorativas; unas más “vacías” que otras… Obras que están destinadas a ser un legado para la humanidad, otras que quieren ser compañeras de almas y, otras, que se quedan más cercanas a la faceta ornamental que a la del arte, que no poseen la fuerza o universalidad necesaria para enamorar a la psique. No obstante, como ya apunté en uno de mis párrafos anteriores, esto es simplemente una opinión y selección personal, caracterizada por la sensibilidad y la improvisación, manteniendo siempre un respeto absoluto por el trabajo de cada uno de los artistas, las galerías y los profesionales participantes y, por supuesto, por la organización.

¡Larga vida al arte y larga vida a Pinta London!

 

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El artista Daniel Santiago actúa como Relaciones Públicas de la galería que le representa, Rainhart, animando y amenizando con su desfile los pasillos de Pinta London 2014.

Pinta London 2014 (Parte 2/3)


Para ser sincera, decir que me tracé una agenda complicada a cumplir en cuestión de dos jornadas que finalmente acabarían siendo una y media por cuestiones del directo.

Cierto es que la selección de obra y de proyectos que expongo en el presente texto es bastante fortuita y mi opinión y análisis, completamente subjetivos, guiados principalmente por el “amor a primera vista”, el “feeling”, la improvisación, la intuición y ciertas referencias previas.

Añadir también que desde el primer momento tuve como prioridad el factor nacional -por la cercanía a mi propia cultura-, y una intención clara de entablar conversación con los participantes y agentes implicados.


En esta edición la feria hacía tributo a la figura de la mujer en el arte latinoamericano, tema en torno al cual giraban gran parte de las conferencias, mesas redondas y la iniciativa Pinta Projects, comisariada por Catherine Petitgas y Kiki Mazzucchelli.

Las conferencias me interesaban todas o casi todas, pero siendo consciente de que el tiempo era limitado y que también debía adentrarme en el contenido práctico de la feria, opté por ir a tres de las ocho conferencias programadas: Dedicated or Non-dedicated CollectorsActivism: Women Promoting Art beyond their Borders y Women in Spanish Contemporary Art, de las que, respectivamente, puedo sacar en claro –según mi punto de vista e interés-:

1)     Que el verdadero coleccionismo es un “estilo de vida” o “un camino vital” (tal y como lo apuntaban sus “practicantes”), el cual está regido tanto por factores emocionales e instintivos como por las tendencias del mercado -aunque podríamos decir que en este caso toma mayor peso el factor emocional-, y que existe una tendencia de relación de amistad (de amor) entre coleccionista y artista.

Cuando el coleccionista es un verdadero amante del arte, cuando se enamora de una obra de arte, se enamora del alma del artista, así que no podría ser de otra forma. Si por el contrario el coleccionista compra arte sólo por cuestiones de inversión o por temas de estatus social, esta magia romántica se evapora, ya que el coleccionista no vive la experiencia artística y su procedimiento será recurrir a consultants para la compra, basándose principalmente en factores de mercado.

2)     La creciente participación de la mujer en el mundo del arte como agente gestor y la gran sensibilidad que emana de la personalidad femenina hacia éste.

3)     La triste memoria de la figura de la mujer como artista en la historia del arte contemporáneo en España, debido a la cultura y a la política sufrida principalmente durante la época franquista –pasaje presentado por el catedrático español Rafael Doctor-.


Entre el deleite de estas sesiones dialécticas protagonizadas por grandes profesionales del mundo del arte, Metaphoneranea navega entre los pasillos de Pinta London 2014, deteniéndose en lo que capta su retina según la excitación de la vista o, incluso, en ciertos casos, a través del estímulo del olfato -como nos ocurriría al pasar cerca de la obra “Campo de Color, de la artista boliviana Sonia Falcone, representada por la galería SALAR procedente de La Paz (Ecuador)-.

campo de color sonia falcone
Campo de Color, por Sonia Falcone, nos evoca un viaje exótico a través del globo terrestre, con este paisaje-instalación compuesto de 89 vallijas de barro llenas de especias aromáticas de colores.

Hay obras que nos enamoran a primera vista; nos llaman la atención por su espectacularidad cromática, formato, originalidad, simbolismo, mensaje instantáneo e incluso por su humildad. Dicen que una imagen vale más que mil palabras, pero en muchas ocasiones el mensaje de una obra artística está sumergido en las profundidades del subconsciente, y hay que pararse a “conversar” para enamorarse. Es aquello que diríamos sobre que “la belleza está en el interior”… Pero es que, además, afortunadamente en ocasiones la belleza es omnipresente en la dualidad interior-exterior, pues cuando la obra tiene alma, su belleza emerge al exterior, repercutiendo en su apariencia estética.

Me detengo en la obra de Rafael Gómezbarros, artista colombiano, del cual había tenido el placer de presenciar anteriormente en la exhibición dedicada al arte africano y latinoamericano en Saatchi Gallery de Londres, la instalación “Casa tomada”.

La especialidad de la casa Rafael Gomezbarros
Obra de la serie “La especialidad de la casa”, por Rafael Gomezbarros, realizada con cucharas de acero.

En este caso, la galería belga Rainhart apuesta por la serie que Rafael titula “La especialidad de la casa”. Gracias a la presencia de la gestora y comisaria de la galería en el stand, se me introduce en el alma de la obra, explicándome que Rafael pretende expresar con ellas una denuncia ante el consumismo y materialismo de nuestra época.

Nascisismo metafórico
Mi “narcisismo metafórico” reflejado en la obra de Rafael Gómezbarros.

Personalmente la idea de primeras me contradice, por el hecho de ser una obra que utiliza gran cantidad de materia, que luce tan llamativa y que induce incluso al narcisismo. No obstante, todo esto me hace reflexionar, y lo acabo considerando parte del juego y discurso artístico de Rafael.


Existe inevitablemente una conexión entre las artes visuales-plásticas y la decoración. Dejar claro que me parece perfecto que el arte tenga esa utilidad complementaria y funcional, de lo que no quiero ser partícipe es del mundo de las modas estéticas vacías de sentido y del tratamiento de las obras de arte como objetos de ornamento y banalidad.

Me gusta, de hecho, encontrarme con piezas de arte que tienen una utilidad complementaria, funcional, que va más allá de la espiritual.  No reneguemos del cuerpo –  me digo a mí misma-, forma parte de la existencia, y también hay que cuidarlo.

Me parece interesante destacar, en este sentido, la obra del artista francés Laurent Martin, residente en España y representado por la galería madrileña Aina Nowack. Laurent trabaja la caña de bambú para crear bellas e hipnópticas esculturas-estructuras móviles que transmiten una sensación de equilibrio y de paz, que bautiza bajo el nombre de “Lo”. En esta ocasión tengo el placer de conversar con el propio artista, quien me cuenta el proceso paciente de secado del bambú, material natural que, según Laurent, posee unas propiedades energéticas positivas.

No me queda otra, por lo tanto, que comprobarlo en mi propia piel, y me lanzo a reposar, ante su amable oferta, bajo la cúpula de bambú “Energy Dome & Lo” comprobando que, efectivamente, provoca una sensación de relax bastante reconfortante. No obstante, a pesar de mi placer, decido que Laurent ha de ser el protagonista en la foto ilustrativa:

Energy Dome & Lo
“Energy Dome & Lo”, la escultura de Laurent Martin que a través de la forma, la materia y la movilidad, nos transporta a un estado de paz y tranquilidad.
Juan Olivares Conjugando
Obra del valenciano Juan Olivares, “Conjugando”

Otro ejemplo de “arte funcional” o de extensión del arte en su forma o “contenedor”, lo encontramos en la obra que nos acerca la galería valenciana Set Spai D’Art de Juan Olivares, quien plasma y “conjuga” parte de su mundo abstracto y poético en esta alfombra asombrosa.

Pinta London 2014 (Parte 1/3)

 


 

Aterrizamos en Pinta London 2014: feria de arte internacional celebrada el pasado fin de semana en Londres durante las jornadas del 12, 13, 14 y 15 de junio. Pinta London se posiciona como el único evento especializado en arte moderno y contemporáneo latinoamericano celebrado en Europa.

Además de arte latinoamericano, la muestra acoge obra de artistas españoles, portugueses y de otros artistas que, a pesar de no tener la nacionalidad latinoamericana, española o portuguesa, están representados en la feria debido a su conexión artística, profesional y personal con estos países.

Según esta premisa, la obra que avala la impronta de la feria tiene como nexo de unión la cultura latina, deteniéndose en idiosincrasias tan dispares como las de Brasil, Argentina, Portugal o España. La inclusión de esta variedad de orígenes inspiradores presenta la realidad de imaginarios colectivos [1] muy diversos, hecho que es a la par enriquecedor y desconcertante.

La proposición, sin duda, es interesante. La feria acerca a la capital inglesa una gran diversidad de “miradas” del mundo latino, pero también es cierto que ante este desbordante viaje a través de casi un cuarto de mundo comprimido en unos cuantos metros cuadrados, uno tiene que hacer un esfuerzo sobrehumano de atención y comprensión si quiere impregnarse de la esencia de las obras, tener un amplio conocimiento cultural e histórico para poder entender el contexto de todo el arte que contiene la feria, o ser muy paciente, tener mucho interés y mucho tiempo, para detenerse a informarse sobre ellas.

Pinta London cumple en esta edición cinco años. Ante una impresión general, podríamos decir que la feria se encuentra en una etapa de declive con respecto a la acogida del público, cuando con esta edad debería estar en la de crecimiento. Los problemas aparentes podrían resumirse con refranes populares tales como “quien mucho abarca, poco aprieta” y “no hay que mezclar churros con merinas”. Pero como en toda experiencia humana, aceptemos que es necesario cometer errores para aprender de ellos y volver a la batalla reinventados.


 

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Logo y marca “Pinta London”

En cuanto a su estrategia de Marketing y Comunicación, para empezar, decir que considero que la feria carece de una imagen comercial atractiva para su mercado potencial. Parece mentira que una feria de arte que se define como moderna y contemporánea y que se celebra en el epicentro europeo del arte y de las tendencias, cuide tan poco su imagen. El primer paso es que te miren, que te vean atractivo, para que se interesen en conocerte. Para atraer al público al foco o establecimiento donde voy a exponer mi propuesta, tengo que ofrecer algo atractivo y diferenciador que vaya más allá de las etiquetas.

¿Por qué iba a estar el público nórdico europeo interesado en el arte latino con la gran oferta de arte contemporáneo que existe a su alcance? ¿Qué es lo que diferencia a “nuestro arte” del arte anglosajón, del arte de Europa del Norte y del resto del mundo?, ¿qué es lo que lo hace atractivo? Quien no lo conoce aún, no lo sabe, y puedo asegurar que la gran mayoría del público potencial del Norte de Europa, no lo sabe. ¿Por qué no les informamos bien?

Por otro lado está el formato obsoleto y estanco de la forma que se exponen las obras de arte en la feria. Permítanme tener la osadía de proponer espacios “más abiertos” en relación a la disposición de la obra, en los que las galerías de arte puedan encontrar entre ellas potenciadores estéticos y conceptuales, de manera que compartan recursos que ayuden a la explicación del contexto en el que se delimita el contenido artístico de una feria. De esta manera, el público obtendrá una experiencia aumentada, más acorde a una experiencia artística que a una comercial.


 

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Entrada a “Pinta London 2014”, en Earls Court Exhibition Centre.

La primera impresión al llegar al Centro de Exhibiciones de Earls Courts es todo un viaje al pasado, inspirado principalmente por la arquitectura del edificio art déco del mismo -cuya construcción data en 1937- y por la escultura dispuesta a su entrada (cuyo nombre y autoría no he conseguido averiguar).

Entrar en el edificio no nos devuelve precisamente al presente. Mi impresión personal sigue siendo retrospectiva: según entro en la feria, tengo la sensación de estar en un evento de los años 70 (y eso que yo aún no existía, pero tengo el imaginario bien aprendido).

Una vez dentro, de primeras el “show” no me sorprende demasiado. Encuentro la muestra un tanto pobre en los expositores que abren el recorrido. De repente, me siento como una niña perdida en el Laberinto de los espejos de un parque (retro) de atracciones…


 

[1] conjunto de mitos, formas, símbolos, tipos, motivos o figuras que existen en una sociedad en un  momento dado.

 

Introducción al Contexto de Metaphoranea en el Mundo del Arte

 

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Rose Rose (Bridget Riley, 2011)

Metaphoranea levita por Inglaterra. Isla sobre isla, se empapa del océano artístico y cultural anglosajón para aprender de la isla mayor.

Tras un pequeño acercamiento al mercado del arte global, se le plantean dos cuestiones que la sitúan directamente en el ojo del huracán. Uno, si estamos vendiendo arte o estamos vendiendo “objetos de decoración” (entendido desde un punto de vista amplio y metafórico del término). Y dos, la gran reflexión sobre el valor monetario y excéntrico de las obras de arte y de su difusión.

Todos los temas implicados serán desarrollados a lo largo del viaje. Pero antes de la primera parada -que será una retrospectiva al reciente evento comercial sobre arte español, portugués y latino celebrado en el epicentro del mercado del arte europeo el pasado fin de semana, “Pinta London 2014”-, haremos un guiño a las coordenadas actuales de Metaphoranea.

Metaphoranea es contemporánea, y dice:

El Arte es el reflejo y la representación de una época, un legado para la historia y para nuestros descendientes.

No hay arte inútil. El arte, ante todo, es comunicación. Cuando un objeto o creación está vacío de mensaje, se trata exclusivamente de entretenimiento, pasatiempo, espectáculo, artesanía u ornamento.

Entiendo el arte como el conjunto de las artes, como un medio simbólico e inter-disciplinario de expresión que presenta múltiples variantes y que implica un proceso cognoscitivo complejo, pero a la vez, directo.

¿En qué mercado o actividad nos situamos entonces?

Gestionar arte, consumir arte o crear arte no es gestionar, consumir o crear objetos. Gestionar, consumir o crear arte es entender el mundo donde vivimos; es escuchar y es comunicar.

Arte es, por lo tanto, vivir intensamente a través de los sentidos y el conocimiento, de una forma relacional.

Bienvenidos al Mundo de las Ideas; bienvenidas las ciencias, la reflexión y la comunicación.

Y, por supuesto, bienvenido el amor.


La imagen utilizada como ilustración de esta entrada, “Rose Rose”, se trata de una obra realizada por la artista británica Bridget Barley para las Olimpiadas celebradas en 2012 en Londres. “Rose Rose” es parte de una serie de 12 pósters realizados por diferentes artistas británicos, representativos y contemporáneos, que reflejan visualmente la conexión entre el arte y el deporte.

En particular, Bridget Barley -importante figura del movimiento artístico Op Art- recurre a la disposición de líneas de colores horizontales como representación de las pistas de atletismo y las calles de natación. La relación entre los colores crea la sensación de movimiento que simboliza la energía: sentido del deporte y de los Juegos Olímpicos.

Esta obra fue impresa en una edición limitada de 250 unidades en formato de póster, los cuales fueron firmados por la artista y puestos en el mercado primario a un precio de 950 libras esterlinas la unidad. Actualmente un póster original de aquella edición tiene un precio medio que ronda entre las 2.500 y las 3.000 libras. Su precio se ha triplicado en cuestión de dos años.