Pinta London 2014 (Parte 2/3)


Para ser sincera, decir que me tracé una agenda complicada a cumplir en cuestión de dos jornadas que finalmente acabarían siendo una y media por cuestiones del directo.

Cierto es que la selección de obra y de proyectos que expongo en el presente texto es bastante fortuita y mi opinión y análisis, completamente subjetivos, guiados principalmente por el “amor a primera vista”, el “feeling”, la improvisación, la intuición y ciertas referencias previas.

Añadir también que desde el primer momento tuve como prioridad el factor nacional -por la cercanía a mi propia cultura-, y una intención clara de entablar conversación con los participantes y agentes implicados.


En esta edición la feria hacía tributo a la figura de la mujer en el arte latinoamericano, tema en torno al cual giraban gran parte de las conferencias, mesas redondas y la iniciativa Pinta Projects, comisariada por Catherine Petitgas y Kiki Mazzucchelli.

Las conferencias me interesaban todas o casi todas, pero siendo consciente de que el tiempo era limitado y que también debía adentrarme en el contenido práctico de la feria, opté por ir a tres de las ocho conferencias programadas: Dedicated or Non-dedicated CollectorsActivism: Women Promoting Art beyond their Borders y Women in Spanish Contemporary Art, de las que, respectivamente, puedo sacar en claro –según mi punto de vista e interés-:

1)     Que el verdadero coleccionismo es un “estilo de vida” o “un camino vital” (tal y como lo apuntaban sus “practicantes”), el cual está regido tanto por factores emocionales e instintivos como por las tendencias del mercado -aunque podríamos decir que en este caso toma mayor peso el factor emocional-, y que existe una tendencia de relación de amistad (de amor) entre coleccionista y artista.

Cuando el coleccionista es un verdadero amante del arte, cuando se enamora de una obra de arte, se enamora del alma del artista, así que no podría ser de otra forma. Si por el contrario el coleccionista compra arte sólo por cuestiones de inversión o por temas de estatus social, esta magia romántica se evapora, ya que el coleccionista no vive la experiencia artística y su procedimiento será recurrir a consultants para la compra, basándose principalmente en factores de mercado.

2)     La creciente participación de la mujer en el mundo del arte como agente gestor y la gran sensibilidad que emana de la personalidad femenina hacia éste.

3)     La triste memoria de la figura de la mujer como artista en la historia del arte contemporáneo en España, debido a la cultura y a la política sufrida principalmente durante la época franquista –pasaje presentado por el catedrático español Rafael Doctor-.


Entre el deleite de estas sesiones dialécticas protagonizadas por grandes profesionales del mundo del arte, Metaphoneranea navega entre los pasillos de Pinta London 2014, deteniéndose en lo que capta su retina según la excitación de la vista o, incluso, en ciertos casos, a través del estímulo del olfato -como nos ocurriría al pasar cerca de la obra “Campo de Color, de la artista boliviana Sonia Falcone, representada por la galería SALAR procedente de La Paz (Ecuador)-.

campo de color sonia falcone
Campo de Color, por Sonia Falcone, nos evoca un viaje exótico a través del globo terrestre, con este paisaje-instalación compuesto de 89 vallijas de barro llenas de especias aromáticas de colores.

Hay obras que nos enamoran a primera vista; nos llaman la atención por su espectacularidad cromática, formato, originalidad, simbolismo, mensaje instantáneo e incluso por su humildad. Dicen que una imagen vale más que mil palabras, pero en muchas ocasiones el mensaje de una obra artística está sumergido en las profundidades del subconsciente, y hay que pararse a “conversar” para enamorarse. Es aquello que diríamos sobre que “la belleza está en el interior”… Pero es que, además, afortunadamente en ocasiones la belleza es omnipresente en la dualidad interior-exterior, pues cuando la obra tiene alma, su belleza emerge al exterior, repercutiendo en su apariencia estética.

Me detengo en la obra de Rafael Gómezbarros, artista colombiano, del cual había tenido el placer de presenciar anteriormente en la exhibición dedicada al arte africano y latinoamericano en Saatchi Gallery de Londres, la instalación “Casa tomada”.

La especialidad de la casa Rafael Gomezbarros
Obra de la serie “La especialidad de la casa”, por Rafael Gomezbarros, realizada con cucharas de acero.

En este caso, la galería belga Rainhart apuesta por la serie que Rafael titula “La especialidad de la casa”. Gracias a la presencia de la gestora y comisaria de la galería en el stand, se me introduce en el alma de la obra, explicándome que Rafael pretende expresar con ellas una denuncia ante el consumismo y materialismo de nuestra época.

Nascisismo metafórico
Mi “narcisismo metafórico” reflejado en la obra de Rafael Gómezbarros.

Personalmente la idea de primeras me contradice, por el hecho de ser una obra que utiliza gran cantidad de materia, que luce tan llamativa y que induce incluso al narcisismo. No obstante, todo esto me hace reflexionar, y lo acabo considerando parte del juego y discurso artístico de Rafael.


Existe inevitablemente una conexión entre las artes visuales-plásticas y la decoración. Dejar claro que me parece perfecto que el arte tenga esa utilidad complementaria y funcional, de lo que no quiero ser partícipe es del mundo de las modas estéticas vacías de sentido y del tratamiento de las obras de arte como objetos de ornamento y banalidad.

Me gusta, de hecho, encontrarme con piezas de arte que tienen una utilidad complementaria, funcional, que va más allá de la espiritual.  No reneguemos del cuerpo –  me digo a mí misma-, forma parte de la existencia, y también hay que cuidarlo.

Me parece interesante destacar, en este sentido, la obra del artista francés Laurent Martin, residente en España y representado por la galería madrileña Aina Nowack. Laurent trabaja la caña de bambú para crear bellas e hipnópticas esculturas-estructuras móviles que transmiten una sensación de equilibrio y de paz, que bautiza bajo el nombre de “Lo”. En esta ocasión tengo el placer de conversar con el propio artista, quien me cuenta el proceso paciente de secado del bambú, material natural que, según Laurent, posee unas propiedades energéticas positivas.

No me queda otra, por lo tanto, que comprobarlo en mi propia piel, y me lanzo a reposar, ante su amable oferta, bajo la cúpula de bambú “Energy Dome & Lo” comprobando que, efectivamente, provoca una sensación de relax bastante reconfortante. No obstante, a pesar de mi placer, decido que Laurent ha de ser el protagonista en la foto ilustrativa:

Energy Dome & Lo
“Energy Dome & Lo”, la escultura de Laurent Martin que a través de la forma, la materia y la movilidad, nos transporta a un estado de paz y tranquilidad.
Juan Olivares Conjugando
Obra del valenciano Juan Olivares, “Conjugando”

Otro ejemplo de “arte funcional” o de extensión del arte en su forma o “contenedor”, lo encontramos en la obra que nos acerca la galería valenciana Set Spai D’Art de Juan Olivares, quien plasma y “conjuga” parte de su mundo abstracto y poético en esta alfombra asombrosa.

Pinta London 2014 (Parte 1/3)

 


 

Aterrizamos en Pinta London 2014: feria de arte internacional celebrada el pasado fin de semana en Londres durante las jornadas del 12, 13, 14 y 15 de junio. Pinta London se posiciona como el único evento especializado en arte moderno y contemporáneo latinoamericano celebrado en Europa.

Además de arte latinoamericano, la muestra acoge obra de artistas españoles, portugueses y de otros artistas que, a pesar de no tener la nacionalidad latinoamericana, española o portuguesa, están representados en la feria debido a su conexión artística, profesional y personal con estos países.

Según esta premisa, la obra que avala la impronta de la feria tiene como nexo de unión la cultura latina, deteniéndose en idiosincrasias tan dispares como las de Brasil, Argentina, Portugal o España. La inclusión de esta variedad de orígenes inspiradores presenta la realidad de imaginarios colectivos [1] muy diversos, hecho que es a la par enriquecedor y desconcertante.

La proposición, sin duda, es interesante. La feria acerca a la capital inglesa una gran diversidad de “miradas” del mundo latino, pero también es cierto que ante este desbordante viaje a través de casi un cuarto de mundo comprimido en unos cuantos metros cuadrados, uno tiene que hacer un esfuerzo sobrehumano de atención y comprensión si quiere impregnarse de la esencia de las obras, tener un amplio conocimiento cultural e histórico para poder entender el contexto de todo el arte que contiene la feria, o ser muy paciente, tener mucho interés y mucho tiempo, para detenerse a informarse sobre ellas.

Pinta London cumple en esta edición cinco años. Ante una impresión general, podríamos decir que la feria se encuentra en una etapa de declive con respecto a la acogida del público, cuando con esta edad debería estar en la de crecimiento. Los problemas aparentes podrían resumirse con refranes populares tales como “quien mucho abarca, poco aprieta” y “no hay que mezclar churros con merinas”. Pero como en toda experiencia humana, aceptemos que es necesario cometer errores para aprender de ellos y volver a la batalla reinventados.


 

pinta_london_logo
Logo y marca “Pinta London”

En cuanto a su estrategia de Marketing y Comunicación, para empezar, decir que considero que la feria carece de una imagen comercial atractiva para su mercado potencial. Parece mentira que una feria de arte que se define como moderna y contemporánea y que se celebra en el epicentro europeo del arte y de las tendencias, cuide tan poco su imagen. El primer paso es que te miren, que te vean atractivo, para que se interesen en conocerte. Para atraer al público al foco o establecimiento donde voy a exponer mi propuesta, tengo que ofrecer algo atractivo y diferenciador que vaya más allá de las etiquetas.

¿Por qué iba a estar el público nórdico europeo interesado en el arte latino con la gran oferta de arte contemporáneo que existe a su alcance? ¿Qué es lo que diferencia a “nuestro arte” del arte anglosajón, del arte de Europa del Norte y del resto del mundo?, ¿qué es lo que lo hace atractivo? Quien no lo conoce aún, no lo sabe, y puedo asegurar que la gran mayoría del público potencial del Norte de Europa, no lo sabe. ¿Por qué no les informamos bien?

Por otro lado está el formato obsoleto y estanco de la forma que se exponen las obras de arte en la feria. Permítanme tener la osadía de proponer espacios “más abiertos” en relación a la disposición de la obra, en los que las galerías de arte puedan encontrar entre ellas potenciadores estéticos y conceptuales, de manera que compartan recursos que ayuden a la explicación del contexto en el que se delimita el contenido artístico de una feria. De esta manera, el público obtendrá una experiencia aumentada, más acorde a una experiencia artística que a una comercial.


 

Entrada_PintaLondon
Entrada a “Pinta London 2014”, en Earls Court Exhibition Centre.

La primera impresión al llegar al Centro de Exhibiciones de Earls Courts es todo un viaje al pasado, inspirado principalmente por la arquitectura del edificio art déco del mismo -cuya construcción data en 1937- y por la escultura dispuesta a su entrada (cuyo nombre y autoría no he conseguido averiguar).

Entrar en el edificio no nos devuelve precisamente al presente. Mi impresión personal sigue siendo retrospectiva: según entro en la feria, tengo la sensación de estar en un evento de los años 70 (y eso que yo aún no existía, pero tengo el imaginario bien aprendido).

Una vez dentro, de primeras el “show” no me sorprende demasiado. Encuentro la muestra un tanto pobre en los expositores que abren el recorrido. De repente, me siento como una niña perdida en el Laberinto de los espejos de un parque (retro) de atracciones…


 

[1] conjunto de mitos, formas, símbolos, tipos, motivos o figuras que existen en una sociedad en un  momento dado.